Artiste contemporain et passionné de skateboard, Raphaël Zarka cherche à comprendre la logique et le plaisir de cette pratique qui n’a cessé de se modifier depuis son apparition.
Raphaël Zarka est un artiste-sculpteur qui ne s’intéresse pas uniquement à l’histoire des œuvres mais plus largement à celle des formes. Son intérêt pour le skateboard se retrouve dans ses œuvres plastiques mais aussi dans quatre ouvrages réédités aux Éditions B42 : La Conjonction interdite, Chronologie lacunaire du skateboard, Ridding modern Art et Free Ride. Il analyse la manière dont skater est une façon d’inventer un rapport singulier à l’espace. Chaque livre propose une approche particulière de cet objet culturel : généalogie de cette pratique, analyse du plaisir lié au skate, album d’images collectées par l’artiste représentant des skateurs sur des œuvres dans l’espace public et enfin une mise en parallèle entre l’art de skater, la mécanique de Galilée et l’art minimal.
Quand avez-vous commencé le skate ?
Quand j’étais enfant, j’en avais marre que mon vélo soit toujours crevé. Puis, lors d’un voyage à Paris, sûrement au Trocadéro, j’ai découvert le skate. J’en ai demandé un à mon père qui m’a trouvé une petite planche en plastique rouge. Je devais avoir sept ans et j’ai immédiatement adoré skater et chercher les rares endroits où ça roulait dans mon village au sol tout défoncé.
Dans Chronologie lacunaire du skateboard, vous retracez l’histoire de la pratique du skateboard. Quelle est son origine ?
Le skate est né de la rencontre de deux passions. La passion des vagues a poussé l’humain à chercher à s’insérer dans ses rouleaux et la passion pour les roulettes a permis d’inventer la trottinette, le roller et plus spécifiquement les systèmes d’essieux, les trucks, qui permettent de tourner à gauche et à droite. Le skate est la rencontre entre le surf, originaire d’Hawaii, et le roller.
Dans les années 1950, les enfants qui n’ont pas de quoi se payer des trottinettes découpent des patins à roulettes en deux et y accrochent un guidon de fortune avec ce qu’ils trouvent dans leur garage. Mais ce guidon bricolé ne fait pas long feu. Les gosses se retrouvent avec une planche sans guidon, ce qui les pousse à s’essayer à la planche à roulettes.
Vous vous penchez aussi sur l’évolution des matériaux et des lieux où l’on skate. Vous racontez notamment comment la sécheresse de 1976 en Californie a eu pour conséquence de vider les piscines qui sont alors devenues les terrains de jeux des skateurs.
En effet, il y a plusieurs axes d’analyse de la pratique du skate. L’histoire de la recherche des spots est cruciale. À sept ans, le fait d’avoir un skate a totalement reconfiguré ma façon de concevoir mon village. Tout à coup, certains endroits du village où l’on ne se rendait jamais sont devenus des lieux très intéressants pour skater. Ils se révélaient avoir des qualités optimales pour faire du skate : types de matériaux et de géométrie de l’espace. C’est comme si j’étais tout à coup capable de percevoir une couleur supplémentaire dans la réalité, je découvrais une nouvelle potentialité de l’espace où je vivais.
En Californie, on skatait souvent dans des infrastructures liées à l’eau comme les lits de rivières bétonnés ou les piscines en forme de cacahuète. Pourquoi ? Car, les espaces qui contiennent de l’eau sont pensés selon la gravité. L’eau doit être maintenue dans la piscine notamment grâce à une margelle. De la même manière, ceux qui pratiquent le skate dans les piscines se servent de la margelle pour faire des sauts. La margelle joue le même rôle pour le skateur et l’eau : elle les repousse à l’intérieur quand ils cherchent à en sortir pour leur permettre de retomber dans la courbe du bassin.
Comment s’est noué votre lien entre skate et art ?
Pendant mes études aux Beaux-Arts je ne me préoccupais pas de skate. Ce n’est qu’à la fin de mes études que j’ai eu une sorte de cas de conscience : comment relier l’histoire de mon adolescence et celle de ma vie de jeune adulte ? J’ai commencé à écrire sur le skate pour essayer de débroussailler et de comprendre les liens qui existaient entre skate et art. Ces recherches m’ont permis d’écrire d’abord La Conjonction interdite puis La Chronologie lacunaire du skateboard.
Dans votre ouvrage Free Ride, vous analysez le skate à partir de la mécanique galiléenne. Pouvez-vous nous raconter cette rencontre ?
Ce livre est arrivé plus tard alors que je faisais des recherches sur la géométrie et les astronomes Galilée et Kepler. Je suis tombé sur des objets en forme de courbe que Galilée avait fait construire. Sur ces modules, il jetait des billes pour étudier la mécanique et l’accélération des corps. Tout d’un coup, je me suis dit que la mécanique classique avait un lien évident avec le skate : les formes galiléennes et les formes skatables se ressemblent beaucoup et fonctionnent selon le même principe de gravité. Je me suis alors dit que les skateurs étaient finalement très galiléens en ayant construit des appareils géants pour tester la gravité. Il n’y a donc plus besoin de lancer une bille pour éprouver la gravité puisque le skateur devient lui-même la bille.
Vous réalisez aussi des « sculptures skatables » que vous définissez comme des partitions à proposer aux skateurs.
Ces sculptures fonctionnent exactement de la même manière que tout bon skate-park. Dessinés par des architectes, ils prévoient des types de parcours pour les skateurs mais ces derniers révèlent d’autres possibilités que celles que les concepteurs avaient imaginées. Mes sculptures sont pensées comme des partitions qui laissent une marge d’interprétation à chaque skateur. C’est là le plus excitant.
Dans Ridding Modern Art, vous réalisez un album qui recense des images représentant des skateurs sur des sculptures modernistes. Comment qualifier ce rapport entre sculptures et skateurs ?
La sculpture moderniste propose au spectateur un rôle différent que celui du regardeur traditionnel. Il n’est pas un point de vue fixe mais un regard mouvant autour de l’œuvre. Les skateurs vont encore plus loin en pratiquant l’œuvre. Ils testent sa gravité et ses matériaux. Certains voient dans cette série de photographies une forme de vandalisme, j’y perçois davantage une forme d’usage voire d’attirance pour l’œuvre d’art.
Quand j’étais à Rome, j’ai entendu beaucoup d’histoires de statues et celle d’une en particulier qui se trouve au Vatican. Certaines personnes seraient prêtes à en soudoyer d’autres pour passer une nuit avec elle. Certains spectateurs, eux, touchent les statues figuratives au niveau des pieds, des seins ou de la tête. Sur une sculpture en bronze, plutôt verdâtre, les endroits caressés deviennent jaunes car ils se patinent. Il n’y a là aucune forme de vandalisme mais plutôt un désir qui s’exprime pour l’œuvre et pour la comprendre. C’est exactement la même chose avec les skateurs.
Le skate est aussi un art qui permet de pratiquer l’espace de la ville. Comment le skate questionne-t-il l’urbanisme ?
Mon expérience au musée du Carré d’Art de Nîmes est fondatrice pour comprendre la manière dont le skate permet d’apprivoiser un lieu. J’ai passé plusieurs années à ne me soucier que des marches à l’extérieur du musée. Je savais que c’était un musée, une bibliothèque et une médiathèque mais je n’y allais jamais. La deuxième étape a consisté à y entrer pour aller y cherche des CD. La troisième étape, deux ans après, a été de me rendre au musée alors que j’étudiais l’art à la fac. Puis, le musée est devenu mon premier employeur. Aujourd’hui, les skateurs vont faire du skate entre le Palais de Tokyo et le Musée d’Art Moderne à Paris ou au MACBA en Espagne. Je suis sûr que le contact entre ces musées et ces skateurs a un effet.
Vous parlez aussi du « skate sauvage » qui est une manière de s’approprier l’espace à une époque où il est partagé socialement et culturellement.
Le skate sauvage est cité dans un article de la revue Esprit dans les années 70. L’auteur y compare le skate pour l’intérieur des villes à la moto pour l’émancipation des jeunes enfin libres de sortir de leur village et banlieue. En faisant du skate en ville, on s’approprie l’espace en en faisant son terrain de recherche et de rencontre. On partage les espaces publics, on croise des gens qui font du shopping ou qui mangent un sandwich, mais tout cela produit surtout d’innombrables expériences.
Les skateurs se réapproprient aussi l’espace en renommant la ville. Les trottoirs deviennent des curbs, les rampes d’escaliers deviennent des handrails. Est-ce une façon pour eux d’affirmer que l’espace leur appartient et qu’ils peuvent y circuler d’une manière singulière ?
C’est la manière la plus adolescente de le concevoir : dire que l’espace nous appartient. L’adolescence est le moment où l’on a besoin de tester les règles et de se rebeller contre l’autorité. Ainsi, le vocabulaire permet aussi de transfigurer l’espace. Par exemple, pour un skateur, un escalier ne se pratique qu’en se remontant. Pour le descendre, il suffit de sauter. Cependant, pour remonter il utilise les marches et les rampes. L’usage de l’escalier est donc redéfini par le skateur et détourné de l’usage prévu par l’architecte.
Vous avez réalisé une série nommée « Les Formes du repos » et une recherche sur un polyèdre à 26 faces nommé le rhombicuboctaèdre. Pouvez-vous nous expliquer cet attrait pour les figures géométriques ?
J’ai découvert le rhombicuboctaèdre alors que j’étais à un moment charnière de mon travail. Mon questionnement était le suivant : puisqu’il existe déjà une infinité de formes, comment être sculpteur sans chercher à produire de nouvelles formes ? En 2001, je trouve deux rhombicuboctaèdres en béton sur le bord de la route de Frontignan, à côté de Sète, que je photographie immédiatement.
Cette photographie s’est ensuite inscrite dans une série plus large que j’ai intitulé « Les Formes du repos ». Elle rassemble plusieurs photographiques d’objets en béton trouvés dans des terrains vagues ou dans la nature.
Puis, je me suis intéressé à l’histoire du rhombicuboctaèdre. Il vient de l’Antiquité, a été oublié puis redécouvert à la Renaissance, retrouvé par un mathématicien et illustré, entre autres, par Léonard de Vinci jusqu’à ce qu’il soit redécouvert au 20ème siècle par un maçon. Ce dernier a eu l’idée d’utiliser ce polyèdre particulier pour fabriquer un module de récifs artificiels servant à restaurer la faune et la flore aquatique que j’ai découvert sur la route ce jour de 2001. Le rhombicuboctaèdre est une des grandes aventures de ma vie qui m’a mené à de nombreuses lectures et voyages.
Une de vos lectures centrales est celle de l’auteur Borges. Est-ce la possibilité d’architecture impossible et rêvée qui vous intéresse dans sa littérature ?
Borges est l’artiste qui a été le plus important pour moi. Il a davantage le désir de découvrir que de fabriquer. Aussi, il ne fait pas de différences entre ses nouvelles, essais ou conférences et travaille toujours avec des sources extra-littéraires comme des textes mystiques, scientifiques ou philosophiques. Borges recherche la potentialité littéraire dans les idées qui s’expriment dans chaque champ culturel. A sa manière, je pense que je cherche les potentialités sculpturales des formes pensées pour d’autres usages.
Site de Raphaël Zarka : ICI
Les quatre ouvrages de Raphaël Zarka réédités aux Editions B42 :
